Миди-программирование является созданием музыки с помощью компьютера. Исходя из этого, каждый может с легкостью добиться того, чтобы конечный результат звучал, как компьютерная музыка. Все средства для этого под рукой: установите все значения Velocity на уровень 127, полностью квантизируйте материал, — и... вы получите свалку нот в секвенсере.
Конечно, совершенно понятно, что некоторые музыкальные стили не подразумевают «живого» звучания, и что некоторые весьма эмоциональные произведения могут, тем не менее, содержать явно синтетические эффекты. Но настоящее искусство миди-программирования для большинства музыкальных стилей состоит в умении спрятать тот факт, что все было создано с помощью компьютера, и это не должно было бы быть сложно (в конце концов, все ноты сыграны человеческим существом!). К великому сожалению, это не так.
И существует несколько причин, почему добиться живого звучания настолько нелегко. Возможно, вы ударник, и должны использовать клавиатуру для ввода данных. Или вам трудно бороться со всеми этими инструментами редактирования и прочими приспособлениями. А может данные на экране редактора выглядели плохо синхронизированными, когда не находились ровно на доле, и вы их подвинули ? Или то, как вы пользуетесь операциями копирования и вклеивания, оставляет желать лучшего?
Давайте поговорим о тех моментах, которые помогут вам сохранить или привнести живой характер в результат программирования.
Добрые советы
Если вещь не сломана, не надо ее чинить! Если что-то звучит нормально, то все в порядке. Избегайте применять глобальные инструменты, вроде полной квантизации или фиксирования Velocity. Мало вероятно, что каждая нота во фразе нуждается в исправлении. Постарайтесь ограничить редактирование теми нотами, которые действительно в нем нуждаются.
Любая человеческая деятельность несовершенна. Даже самые великие музыканты, как бы они ни старались, не в состоянии сыграть все ноты вовремя и с одной и той же громкостью.
Главная задача при записи состоит в том, чтобы сыграть партию, добившись того характера звучания, который вам нужен. Если вы в состоянии это сделать, дальше вы сможете привести вашу партитуру в полный порядок. Создайте повторяющийся образец ударных инструментов и используйте его вместо секвенсерного метронома. Используйте уменьшение темпа при записи только как самое последнее средство.
Постарайтесь записывать более длинные живые фразы. Если вы будете постоянно останавливаться, записав два такта, вам будет трудно «вжиться» в характер песни. Если у вас есть возможность зациклить часть песни, используйте ее: представьте, что первое повторение — это вживание, а запись на втором повторении будет окончательной.
Если метроном вашего секвенсера имеет опцию, которая называется pre-roll, ее стоит использовать. В этом случае будет воспроизведен такт, предшествующий той точке, откуда вы собираетесь начать запись, вместо простого отсчета (возможно, вы сами можете определять продолжительность вступления, указав сыграть 2 такта или больше, если вам так удобнее). Это наиболее простой способ «поймать ощущение».
Еще лучше, если на треке есть необходимое пространство, начать запись за такт до того места, которое вам нужно. Это дает вам два преимущества: во-первых, вы услышите эти такты (как и в предыдущем случае), а во-вторых, это уменьшает необходимость двигать потом первую ноту или аккорд, который вы играете. Например, вы автоматически начнете играть звук медленного подклада раньше, чем начнется доля. При начале записи с нужного места нота запишется, но начнет звучать на первом тике доли. В случае, который мы рассматриваем, она останется там, где вы ее поместили.
Постарайтесь выставить звук в тон-генераторе, максимально угадав правильную громкость и параметры эффектов. Таким образом, во время ее исполнения вы услышите новую партию хотя бы приблизительно сведенной со всеми остальными.
Мы уже говорили о том, что следует избегать пошаговой записи длинных фраз. Тем не менее, иногда это необходимо. В этих случаях вводите события там, где они, по-вашему, будут звучать нужным образом, а потом слушайте и исправляйте. (Если ваш секвенсер квантизирует ноты или «приклеивает» ноты к границам долей, отключите соответствующую опцию.) При пошаговом введении событий существуют, с точки зрения характера звучания, три параметра, которые должны находиться под вашим пристальным вниманием: позиция, относительная громкость ноты и ее длительность. О важности последнего параметра часто забывают.
Характер звучания очень мало зависит от нот, которые вы играете. Если вам попалась фраза, которую вам технически трудно сыграть, попробуйте ее упростить так, чтобы ее было легче сыграть с правильным характером звучания, и потом отредактируйте сами ноты. (Почитайте раздел «Борьба с трудностями» в этой главе, посвященный техническим аспектам исполнения.)
Динамическая чувствительность (Velocity) настолько же важная составляющая характера звучания, как и момент звучания нот. Акцентируйте не ту ноту, и доля начнет «тормозиться». Думайте об этом в терминах значительности, — нота на четвертной доле более значительна, чем нота на «внутренней» восьмой доле, которая, в свою очередь, значительнее, чем нота на шестнадцатой доле. Грубо говоря, давайте большее значение Velocity более значимым нотам.
Динамическая окраска — совершенно необходимая составляющая большинства музыкальных стилей. Во многом это вопрос использования Velocity одновременно с разумным применением контроллера Экспрессии (СС11).
Возможно, у вас в распоряжении есть автоматическая настройка параметра Velocity: укажите его начальное и конечное значение для группы нот, и секвенсер автоматически создаст возрастание или убывание динамической чувствительности. Как и с любым другим инструментом, тут можно поэкспериментировать, но не забывайте, что таким образом музыкальные аспекты определяются компьютером, а не человеком.
Для некоторых инструментов в отдельных тон-генераторах назначение высоких значений Velocity оказывает воздействие на тембр звука (это часто происходит со звуками гитары и фортепиано). Чтобы придать партии ритм гитары большую «жесткость», попробуйте максимально увеличить динамическую чувствительность, и затем сбалансировать трек с остальным миксом, понижая СС7 во вступительном такте.
Плохой подход — это когда вы записываете, а потом копируете и вклеиваете, очень короткие фразы. Если копии не содержат каких-либо вариаций, появится эффект, очень схожий с результатами квантизации. Длинные части, построенные из идентичных одно- или двухтактовых фраз будут звучать механически, как бы «живо» вы ни играли.
Синхронизация
Если вы предпочитаете строить файл по частям (то есть, вступление, первый куплет и т. д.), думайте о каждой из них как о маленькой песне.
Добейтесь полного баланса и полностью почистите первую часть, прежде чем браться за вторую. Когда вторая часть отлажена, потратьте некоторое время, чтобы выстроить плавный переход между двумя частями так, как будто они были записаны как непрерывное целое. Вы можете прибегнуть к изменению синхронизации или к «подгонке» относительной громкости отдельных нот. Возвращайтесь время от времени к предыдущей части (или началу песни), чтобы прослушать получающийся результат. Можно ли услышать, где вы склеивали части ? Достаточно ли динамична окраска? Постарайтесь разбираться со всеми огрехами немедленно.
Когда вы создаете незаметные переходы между частями, то должны сдвинуть ноты вперед на тик или два вручную, в конец предыдущей части. Хорошими кандидатами для такой операции кажутся первая барабанная и басовая ноты. Обычно этого достаточно, чтобы избежать легкого «заикания», которое иногда появляется в таких местах. Тем не менее, попробуйте подвинуть вперед на несколько тиков все звуки с медленной атакой (укоротив предыдущие ноты, если необходимо). Начните раньше и аккорды клавишных инструментов, раздвинув немного события включения нот. Возможно, стоит подвинуть плотный солирующий инструмент (вроде трубы) на пару тиков назад. Все эти процедуры помогут удержать характер звучания, и уберут миди-задержку, связанную с тем, что все 16 каналов начинают звучать на одном тике.
Ваша ударная партия звучит слишком квантизированно? Вполне может быть. Партии басового и малого барабанов оживут, если вы передвинете остальные инструменты из набора ударных так, чтобы они располагались вокруг нот басового и малого барабанов. Возьмите партии хай-хета, тарелки и латиноамериканской перкуссии и синхронизируйте каждую из них по-своему с партиями басового и малого барабанов. При этом их удары не должны попадать на один и тот же тик. В сочетании с вариациями динамической чувствительности, все это поможет справиться даже с квантизированным характером звучания.
Поскольку характер звучания — жизненно важная составляющая любого музыкального произведения, целые разделы книги будут иметь отношение к этой главе. Просмотрите разделы «Как разогнать файл», «Затухания звука» и «Перемещения звука» из девятой главы. Кроме этого ознакомьтесь с тем разделом, в котором подробно рассматривается контроллер СС11, управляющий экспрессией.
Каталог статей
